Impulsor junto con Georges Braque
del desarrollo del Cubismo, escandalizó a sus coetáneos con la novedosa Les demoiselles d`Avignon (1907), obra
capital para la Historia del Arte y para el desarrollo de las vanguardias del
siglo XX.
Además
de pintar, esculpir y realizar collages, Picasso trabajó el grabado de forma
constante a lo largo de su carrera. El aguafuerte La comida frugal (1904) es la gran obra maestra de su primera etapa
en esta especialidad artística.
La Suite Vollard debe su
nombre a Ambroise Vollard
(1866-1939), marchante y amigo personal de Picasso. Fue la figura de mayor
influencia sobre el desarrollo del arte moderno, siendo el primer galerista en
exponer la obra de Picasso en París en 1901 y quien estimuló la relación del
artista con el arte gráfico.
Dotado
de intuición, determinación e intrepidez, Vollard descubrió a numerosos
artistas entonces desconocidos, actuando como mecenas de noveles promesas. Había
representado antes a otros pintores fundamentales como Van Gogh, Gauguin y
Cézanne. Digna de mención fue también su faceta como promotor y editor de arte
gráfico.
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| Retrato de Ambroise Vollard |
La serie consta de 100
grabados, realizados entre los años 1930 y 1936. A los 97
grabados que componían la obra originalmente se añadieron, en 1937, tres
retratos de Ambroise Vollard.
Algunos de los motivos temáticos tienen
su origen en el breve relato de Honoré de Balzac titulado La obra maestra desconocida (1831), cuya lectura impresionó hondamente
a Picasso. Pero, en general, las imágenes están vinculadas a los
acontecimientos personales de la vida del artista. Son
los asuntos autobiográficos que preocuparon a Picasso los que imparten unidad y
coherencia a las estampas. En la Suite
Vollard plasma sus obsesiones personales. De hecho, Picasso llegaría a
confesar: “Mi obra es como un diario”.
Muchos
rasgos de su biografía sentimental se reflejan aquí. Es la época de la ruptura
de su matrimonio con Olga Koklova (antigua bailarina de los ballets rusos de
Diaghilev), de su relación con Marie-Thérèse Walter
(entonces menor de edad y para la que Picasso se convierte en el mítico Pigmalión, el escultor cretense que
modeló una estatua tan bella que acabó enamorándose de ella) y de su complicada
vida con Dora Maar. Es también la época de la guerra civil en España, que
afectó de forma profunda al artista y que fue origen de los motivos
iconográficos presentes en El Guernica.
Aunque
hay un grupo de composiciones de tema libre, los asuntos temáticos pueden organizarse
en los siguientes bloques:
El taller del escultor:
Constituye el motivo temático más extenso de la serie. Aborda la relación entre
el artista y su modelo, así como el erotismo que de este vínculo se desprende.
En su musa se reconoce el rostro de su amante Marie-Thérèse Walter, la mujer
que le servía de inspiración. Muestran, a su vez, la faceta artística del Picasso
escultor.
El
influjo del concepto de la "femme-enfant"
acuñado por los surrealistas se refleja en estos grabados identificándose a la
mujer-niña con Marie Thérèse Walter. Fue André Breton quien le puso en contacto
con esta vanguardia. El poema El hermoso
navío de Baudelaire, perteneciente a Las
flores del mal, resulta un texto
idóneo para acompañar a este grupo de grabados:
“Yo
quisiera contarte, voluptuosa hechicera,
Los
encantos que adornan a tu edad juvenil;
Yo
quisiera pintarte tu belleza en que veo mezclada la mujer con
la niña”.
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| El artista y la modelo |
La batalla del amor:
Está relacionada con El taller del
escultor. En ella, el artista desarrolla la relación erótica, pero aquí
adquiere tintes más violentos y agresivos, llegando incluso a representar
escenas de violaciones.
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| Fauno y mujer desnuda |
El
minotauro: Ser mitológico con
cuerpo de hombre y cabeza de toro recurrente en la obra de Picasso. El artista
se identifica con él, con su impulso sexual y criminal, pero también con su
ternura y soledad, con su sufrimiento. Se trata de un autorretrato indirecto o
alter ego. En palabras del marchante Henry Kahnweiler:
"El Minotauro de Picasso,
que festeja, ama y se bate, es el propio Picasso. Es a sí mismo a quien quiere
mostrar completamente desnudo, en una comunión que él considera completa”
Esta
criatura aparece por primera vez en la obra de Picasso en 1928, pero su
verdadero interés por esta figura despertó en 1933 cuando Skira fundó la revista
surrealista Minotauro. Para la tapa
del primer número Picasso creó un Minotauro y una serie de grabados en los que
integró al híbrido en escenas de bacanal, en el taller, así como también
vencido y moribundo en la arena. En 1935 realizó la Minotauromaquia. Picasso se metamorfoseó en toro con frecuencia en
representación de su propia figura en las escenas amorosas de sus obras.
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| Escena bàquica con minotauro |
Rembrandt:
Particular homenaje de Picasso a uno de los principales pintores del barroco
holandés y maestro del grabado también.
Picasso ofrece en
la Suite Vollard todo un muestrario de
las técnicas de grabado que dominó: punta seca, buril, manera negra, aguafuerte
y aguatinta. Esta forma de trabajar es señal del deseo de experimentación
formal por parte del artista.
La más
utilizada fue el aguafuerte debido a su sencillo aprendizaje, así como por la
rapidez e inmediatez en la práctica. La punta de grabar posibilita bastante
libertad de trazos, lo que permite obtener gran expresividad.
La punta seca fue otra de las
técnicas de grabado empleadas aunque en número reducido si se compara con las
resueltas mediante aguafuerte. No superan la decena de estampas las ejecutadas
con este procedimiento
Picasso también utilizó distintas
versiones del aguatinta, empleando tanto el aguatinta tradicional como el
llamado aguatinta al azúcar.
Y, finalmente, puso en práctica
la manera negra y, en una estampa, su manejo del buril.
En la mayoría de los grabados es
la línea la que predomina y define la
composición. En el resto son el claroscuro y la alternancia de luces y sombras
los que adquieren el protagonismo, dominando en las escenas la oscuridad en
aras de una mayor expresión.
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| Rembrandt y cabezas de mujeres |
La Suite Vollard es una suerte de diario íntimo de Picasso en el que
plasma las relaciones entre erotismo, belleza y
arte, siendo el artista y la modelo el motivo temático predominante. Las
estampas, realizadas mediante diversas técnicas de grabado, muestran de forma
soterrada su intimidad, sus pasiones y obsesiones.
Artículo publicado para Crac! Magazine Notas
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